Objekte, Raum und Erinnerung erleben mit Mona Hatoum - Chongqing Galvanized Steel Group

Wie nähert man sich einem Kunstwerk? Bemerken Sie, wie es sich verschiebt und verändert, je näher Sie ihm kommen? Sind Sie sich des Raums bewusst, in dem es sich befindet, und wissen Sie, wie dieser Ihre Erfahrung beeinflusst? Was an dem Kunstwerk zieht Sie an und was stößt Sie ab? Überlegen Sie, wie Ihr Körper auf die Arbeit reagiert?

Mona Hatoum tut es. Ich hatte kürzlich die Gelegenheit, mit ihr in Ruby City in San Antonio zu sprechen, und sie erklärte: „Wir erleben die Welt durch unsere Sinne. Wir reagieren auf alles zuerst visuell und dann durch den Körper, und dann beginnen wir zu rationalisieren, was es bedeutet … also möchte ich, dass [der Betrachter] entweder angezogen oder abgestoßen wird oder dass er die Arbeit irgendwie zuerst durch seinen Körper erlebt … und nicht es ist nur ein intellektueller Anreiz. Ich möchte, dass [meine Kunst] auf all diesen Ebenen wirkt, der physischen, der mentalen, der emotionalen und der spirituellen Ebene. Ich möchte eine reiche Erfahrung machen … Und die erfolgreichen Werke sind diejenigen, die das tun, die vielleicht eine Transformation durchmachen, wenn wir sie betrachten.“

Seit ich Anfang der 2000er Jahre zum ersten Mal mit Hatoums Werk in Berührung kam, betrachtete ich es ausschließlich als Installation oder Skulptur. Aber für eine Künstlerin, deren Praxis in der Performance-Kunst verwurzelt ist, ist es nicht verwunderlich, dass Hatoum über die von ihr geschaffenen Objekte hinaus immer auch die phänomenologische Erfahrung des Betrachters berücksichtigt. Ich habe erst vor Kurzem begonnen, mich formell mit der Phänomenologie zu befassen, und als ich vor zwei Jahrzehnten mit Hatoums Werk in Kontakt kam, hatte ich zwar nicht das Vokabular, um darüber zu sprechen, aber ich spürte die ihm innewohnende, viszerale Wirkung. Als ich jünger war und Kunst studierte, sah ich in den Kunstlehrplänen und den Museumssammlungen sehr wenig von mir selbst vertreten, und obwohl Hatoum und ich kulturell recht unterschiedlich sind, fand ich in anderer Hinsicht eine Verwandtschaft mit ihrer Kunst: teilweise als arbeitende Frau in einer traditionell männerdominierten Kunstwelt, aber auch in ihrer Herangehensweise an Materialität und ihrer Mischung aus „weichen“ Materialien wie Sand, Baumwolle, Haushaltsgegenständen und „harten“ Materialien wie Stahl und Holz.

Das erste Werk, das ich von Hatoum sah, war ihre kinetische Skulptur + und – aus dem Jahr 1994, die Anfang der 2000er Jahre im Rachofsky House zu sehen war, als ich Student an der University of Texas in Dallas war. Es handelt sich um eine 8,5 cm große, fast 3 mal 3 cm große Kiste, die klein, einfach und unscheinbar ist. Die Kiste enthält eine dünne Sandschicht, die von einem motorisierten Metallarm, der über das Stück gespannt ist und sich dreht, um ein kreisförmiges Muster zu erzeugen, ständig gleichzeitig geharkt und flachgedrückt wird. Vielleicht ist es nur meine Erinnerung an die Arbeit und die einzigartige außerkörperliche Erfahrung, die ich damit gemacht habe, aber ich erinnere mich, dass es still war, während der Metallarm sich weiterbewegte, für immer Linien in den Sand zeichnete und sie für immer im Sand löschte gleiche Bewegung. Ich war von der Skulptur fasziniert – sowohl von der oberflächlichen Einfachheit der verwendeten Materialien als auch von ihren tieferen poetischen Grundlagen.

Mona Hatoum, „+ und -“ (Ausgabe 9 von 14), 1994, Hartholz, Stahlklingen, Elektromotor und Sand, 3 x 11 1/2 x 11 1/2 Zoll. Die Rachofsky-Sammlung.

Da ich im Laufe der Jahre mit neuen Perspektiven und Erfahrungen zu + und – zurückgekehrt bin, verändert sich das Stück kontinuierlich. Als ich ein junger Erwachsener war und die Welt mit idealistischen Augen sah, dachte ich, es gehe um Gleichgewicht, Ausgeglichenheit und Harmonie. Aus einer eher abgestumpften, weltwarnenden Sichtweise liest es sich als Sinnlosigkeit und Unausweichlichkeit der Arbeit in unserem Leben, während die Zeit vergeht, gleichgültig gegenüber dem Einzelnen. Doch noch vor Kurzem, als ich Anfang dieses Jahres im Dallas Museum of Art im Rahmen der Ausstellung „Movement: The Legacy of Kineticism“ auf die Arbeit stieß, als ich mich mit Ricci Albendas Video Panning Annex (Albert) unterhielt, + und – brachte neue Überlegungen im Zusammenhang mit Destabilisierung und Restabilisierung hervor. Unabhängig davon, welche Gedanken das Stück hervorruft, ist es immer mit einer Art Ruhe und Akzeptanz verbunden. Ich kann davor stehen und spüren, wie mein Herzschlag und meine Atmung langsamer werden.

Natürlich umfasst die Arbeit all diese Dinge und noch mehr. Hatoum erzählte mir: „Für mich ist es Yin und Yang, positiv/negativ, aufbauend/zerstörend, es sind Zyklen … Zyklen jeglicher Art, Zyklen der Natur, Zyklen von Krieg und Frieden, Zyklen des Lebens, all diese Dinge … aber es kam.“ von der Auseinandersetzung mit der Lektüre der östlichen Philosophie … von den Kräften der Natur und wie sie immer miteinander und gegeneinander arbeiten. Ohne Nacht kann es keinen Tag geben, ohne Dunkelheit kein Licht.“

Im Rachofsky-Haus begegnete ich auch zum ersten Mal Hatoums Projektion, einem handgeschöpften Papierstück, das die Gall-Peters-Projektion der Welt darstellt, eine Karte, die versucht, Verzerrungsprobleme in der häufig verwendeten Mercator-Projektion zu korrigieren. Das aus weißer Baumwolle und einer dünnen Schicht Abaca gefertigte Werk präsentiert die Kontinente als durchscheinende geprägte Formen, umgeben von einem weißen Ozean. Das Stück entstand aus handgeschöpftem Papier während eines Aufenthalts, an dem Hatoum an der Rutgers University teilnahm, insbesondere in Zusammenarbeit mit deren Druckabteilung. Ähnlich wie + und – hat Projection eine stille Schönheit, zusammen mit dem Potenzial für eine kraftvollere Lesart direkt unter der Oberfläche.

Mona Hatoum, „Projection“, 2006, Baumwolle und Abaca, 35 x 55 Zoll. Die Rachofsky-Sammlung

Das Stück spricht gleichzeitig die politische Natur von Karten und Darstellungen an und weist auf das mögliche Schicksal der Welt aufgrund des Klimawandels hin. Die Mercator-Projektion stammt aus dem Jahr 1569 und ist die Karte, die vielen von uns in den USA und darüber hinaus bekannt ist. Sie wurde jedoch wegen ihrer ungenauen Proportionen kritisiert, die den Vereinigten Staaten, Europa und Asien scheinbar den Vorrang einräumt Minimierung von Afrika und Südamerika.

Die Gall-Peters-Projektion ist zwar ebenfalls fehlerhaft, da jede flache Darstellung eines dreidimensionalen Objekts niemals völlig genau sein kann, versucht jedoch, einige der Probleme der Mercator-Projektion zu korrigieren. Hatoums Verwendung dieser Karte erinnert daran, dass die Welt nicht immer so ist, wie sie scheint, dass das, was wir über Orte und Objekte wissen, immer von unserer eigenen Perspektive beeinflusst wird und dass Grenzen und Trennlinien selten repräsentativ für die Realität sind. Und auf ganz subtile Weise erinnert uns Hatoum mit dem Zurückweichen der Kontinente in die Tiefe des sie umgebenden weißen Raums an die Vergänglichkeit unserer Situationen: dass die Ozeane steigen und die Dinge sich ändern können, selbst für diejenigen von uns, die sich darin sicher fühlen Ort, den wir unser Zuhause nennen.

Und Heimat ist ein großes Thema in Hatoums Werk. Anfang dieses Monats nahm ich an einem Eröffnungsempfang in Ruby City für die neue Ausstellung der Organisation, Water Ways, teil. Neben Werken aus der ständigen Sammlung der Institution zeigt die Ausstellung zwei Neuerwerbungen, darunter Hatoums Werk Mobile Home II aus dem Jahr 2006. Die Arbeit umfasst eine Reihe von Haushaltsgegenständen wie Stühle, Tische, Taschentücher, Spielzeug und Gepäck, die an Drähten zwischen zwei Stahlbarrieren angebracht sind.

Mona Hatoum, „Mobile Home II“, 2006, Möbel, Haushaltsgegenstände, Koffer, verzinkte Stahlbarrieren, drei Elektromotoren und Flaschenzugsystem, 46 3/4 x 86 1/2 x 236 1/4 Zoll. © Mona Hatoum. Mit freundlicher Genehmigung des Neuen Berliner Kunstvereins, Berlin. Foto: Jens Ziehe.

Von der anderen Seite des Raumes aus erinnert das Mobile Home II an ein übergroßes Bett, wobei die Stahlbarrieren als Kopf- und Fußteil fungieren und die Drähte zwischen ihnen eine angedeutete Oberfläche schaffen. Zuerst konzentrierte ich mich auf die Taschentücher, die mit Wäscheklammern an den Drähten hingen, und erinnerte mich sofort an meine Kindheit – als ich sah, wie meine Mutter und meine Großmutter im Hinterhof Kleidung zum Trocknen auf Wäscheleinen aufhängten, die zwischen zwei T-förmigen Metallpfosten gespannt waren. Als ich mich der Arbeit näherte, wurde mir klar, dass die Möbel und Gegenstände auf dem Boden ebenfalls über Drähte mit den Barrieren verbunden waren und dass alle Drähte in Bewegung waren und die Objekte wie ein verebbender Ozean zusammen- und auseinanderbewegten.

Mona Hatoum, „Mobile Home II“ (Detail), 2006, Möbel, Haushaltsgegenstände, Koffer, verzinkte Stahlbarrieren, drei Elektromotoren und Flaschenzugsystem, 46 7/8 x 86 5/8 x 236 1/4 Zoll. Sammlung der Linda Pace Foundation, Ruby City, San Antonio, Texas, © Mona Hatoum.

Während ich die verschiedenen Objekte untersuche, aus denen das Werk besteht, schweifen meine Gedanken ab: Der blassgelbe Kinderstuhl ist in einer ähnlichen Farbe lackiert wie der Stuhl, den meine Tochter vor einem Jahrzehnt hatte. Das Hasenspielzeug, das an seinem Ohr an einem Draht hängt, erinnert mich daran, wie ich fieberhaft die Spielzeuge meiner Kinder gewaschen habe und gehofft habe, dass sie vor dem Schlafengehen trocknen würden; Der aufblasbare Globus, der unsicher auf den Drähten tanzt, zieht mich zurück zu Hatoums Projektion; und weiter und weiter.

Irgendwann inmitten dieser persönlichen Überlegungen werde ich in die Realität zurückgezogen, als mir klar wird, dass es sich bei den Metallkonstruktionen, in denen sich das Werk befindet, um Polizeiabsperrungen handelt. Diese sanften, sentimentalen Momente, die in meinem Kopf herumschwirren, werden durch die Andeutung staatlicher Gewalt im Zusammenhang mit Migrationshandlungen getrübt. Die Barrikaden erinnern an Haftanstalten, Grenzmauern und andere physische und rechtliche Barrieren, die geschaffen wurden, um Menschen in ihrer größten Verletzlichkeit zurückzuhalten und einzuschränken. Da man sich in San Antonio befindet, einer überwiegend lateinamerikanischen Stadt, nur zwei Stunden von der Grenze zwischen den USA und Mexiko entfernt, fällt es schwer, das Stück nicht im Kontext der anhaltenden Gewalt gegen Migranten und Flüchtlinge zu betrachten, die in die USA einreisen wollen

Hatoum und ich sprechen über den Titel „Mobile Home“, der ein Wortspiel ist. Das Erscheinungsbild des Stücks spiegelt nicht direkt das Objekt wider, das wir als Wohnmobil kennen; Stattdessen spricht der Titel von der Idee des Zuhauses als einem Ort, der sich ständig verändert. Hatoum erklärt: „Für mich geht es um eine Art Bevölkerungsstrom … ständig im Wandel … sich über Grenzen oder zwischen Grenzen hinweg zu bewegen und dieses Gefühl der Unsicherheit oder Unruhe … ob [Menschen] aufgrund von Krieg, Konflikt oder sogar umgesiedelt werden Naturkatastrophe. Es könnte alles oben Genannte sein, und es ist interessant, dass es an jedem beliebigen Ort platziert werden könnte und relevant sein könnte. Natürlich habe ich hier nicht an die mexikanische Grenze gedacht, aber sie ist auch sehr relevant. Ich mag es, [meine Arbeit] sehr offen für Interpretationen zu halten, also bringt man je nach eigener Erfahrung seine eigene Interpretation mit.“

Mona Hatoum, „Untitled (Baalbeck Birdcage)“, 1999, Holz und verzinkter Stahl, 122 x 117 x 77 1/8 Zoll. Foto: Ansen Seale.

Dies ist weder das erste Mal, dass Hatoum in San Antonio ist, noch das erste Mal, dass sie mit einem Raum zusammenarbeitet, der mit Linda Pace verbunden ist, der Künstlerin und Kunstmäzenin, die Artpace und Ruby City gegründet hat. Hatoum verbrachte den Sommer 1999 als Artist-in-Residence bei Artpace, wo sie drei Werke fertigstellte: Home, Isolette und Untitled (Baalbeck Birdcage). Jedes dieser Stücke bezieht sich auf Mobile Home II und stellt eine Verbindung zwischen Hatoums Zeit bei Artpace und dem neu erworbenen Werk von Ruby City her.

Die physische Form von Untitled (Baalbeck Birdcage) spiegelt sich in Mobile Home II wider, und zwar über die Stahlstangen und die rechteckige Form des Sockels des letztgenannten Werks. Die drei Drahtkugeln, aus denen Isolette besteht, finden sich in einem der Objekte wieder, einem kleinen Vogelträger, den Hatoum als „Vogeltaxi“ bezeichnet und der an einem der Drähte von Mobile Home II hängt.

Mona Hatoum, „Isolette“, 1999, Aluminium und verzinkter Draht, jeweils 25 x 31 Zoll Durchmesser. Foto: Ansen Seale.

Mona Hatoum, „Home“, 1999, Holz, verzinkter Stahl, Edelstahl, Elektrokabel, computergesteuerter Dimmer, Verstärker und Lautsprecher. Foto: Ansen Seale.

Und in Home sehen wir einen Zaun aus parallelen Drähten, die in diesem Fall als Schutzbarriere für den Rest der Installation dienen und an die Drähte erinnern, die die Möbel und Gegenstände in Mobile Home II bewegen. Hatoum erwähnte „Home“ als ersten Teil einer dreiteiligen Serie, die sich mit der Idee der Häuslichkeit befasst. Hier wurden Haushaltsgegenstände elektrifiziert und das typisch Einladende, Nützliche und Vertraute in eine gefährliche Ansammlung verwandelt, der man sich nicht nähern kann.

Mona Hatoum, „Homebound“, 2000, Mixed-Media-Installation mit Küchenutensilien, Möbeln, Elektrokabeln, Glühbirnen, computergesteuerter Dimmereinheit, Verstärker und Lautsprechern. Installationsansicht in den Duveen Galleries in der Tate Britain, London, 2000. Foto: Edward Woodman. Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers und White Cube.

Home führte dann zur Entstehung von Homebound für eine Installation in den Duveen Galleries in der Tate Britain. Die Arbeit war eine Erweiterung der Ideen von Home und umfasste eine größere Auswahl an Objekten wie Bettgestelle, Stühle, Kleiderstangen und mehr, die alle elektrifiziert und hinter einem hohen Drahtzaun platziert waren. Im Jahr 2005 schuf Hatoum Mobile Home, das dieselbe visuelle Sprache wie Home und Homebound verwendet. Die Drähte sind immer noch vorhanden, aber anstatt eine Barriere um elektrifizierte Möbel und Gegenstände zu bilden, verbinden sie die Gegenstände und setzen sie in Bewegung. Im folgenden Jahr fertigte Hatoum Mobile Home II für die 15. Biennale von Sydney.

Die beiden Werke sind sich unglaublich ähnlich, bestehen jedoch fast ausschließlich aus unterschiedlichen Objekten. Es gibt ein Objekt, das fast identisch ist – ein kleiner Spielzeughase. Hatoum erwähnte, dass sie und eine Freundin das Kaninchenpaar auf einem Markt gefunden und jeweils eines gekauft hätten. Sie verwendete das Modell, das sie bei der ersten Installation des Mobilheims gekauft hatte, und als sie sich entschied, das Mobilheim II zu bauen, hielt sie es für notwendig, den Hasen wieder einzubeziehen. Also wandte sie sich an ihre Freundin, die es gerne für die Arbeit anbot. Es ist bezeichnend, dass Hatoum so großen Wert darauf gelegt hat, dass dieser Gegenstand in beiden Stücken enthalten ist, und ich denke, dass dies auf die Phänomenologie des Werks zurückzuführen ist. Unter den verschiedenen Objekten, aus denen Mobile Home II besteht, spielt der Hase eine wichtige Rolle. Es ist ein kleines, kuscheliges Wesen, das sofort Gedanken an die Kindheit und die Verletzlichkeit kleiner Kinder während des Migrationsprozesses hervorruft.

Es ist diese Aufmerksamkeit für Objekte und ihre Assoziationen, die Hatoums Werk durchdringt und es so unglaublich kraftvoll macht. In ihrem Gesamtwerk spielen Themen wie Bewegung, sich verändernde Grenzen, Komfort und Störung sowie Sicherheit und Gefahr eine Rolle in einer Kombination aus mechanisierten und natürlichen Objekten sowie weichen und industriellen Gegenständen, die miteinander in Dialog treten. Hatoum ist in der Lage, eine Fülle von Emotionen und Erinnerungen zu erschließen, indem er auf vertraute Objekte verweist und diese in surreale Szenarien einfügt. Diese Art der Gegenüberstellung fesselt und desorientiert den Betrachter zugleich und verwandelt das, was man sonst als Skulptur bezeichnen würde, in einen performativen Akt mit dem Publikum.

Mona Hatoums Arbeiten sind bis zum 28. Juli 2024 in Water Ways in Ruby City in San Antonio zu sehen.

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